*Reggae* [Primera Parte]

Género musical de orígen jamaicano. El término "reggae" es muchas veces utilizado para referirse a la mayoría de los ritmos jamaiquinos (Ska, Rocksteady, Dub). El Reggae tiene 3 subgéneros:

• Skinhead Reggae
• Roots Reggae
• Dancehall

La palabra "reggae" se deriva de ragga que, a su vea, es una abreviación de raggamuffin que significa harapiento, la cual, fue una etiqueta utilizada para nombrar a los nativos de Jamaica, a los rastas y a los movimientos culturales de barrios pobres.

El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como "Beat", y la batería, que se toca en el tercer tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos precursores del reggae como el ska y el rocksteady.

El Reggae se asocia erroneamente con el Movimiento Rastafari, ya que éste nunca formó parte del orden ceremonial Rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el Reggae de la música Rastafari.

Los temas más destgacados de este género musical son sociales, políticos y religiosos. La primera aparición de la música reggae se atribuye a la canción "Fat Man" de Derrick Morgan, y sus intérpretes más destacados son: Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff, Steel Pulse, Bunny Wailer, Black Uhuru, Lucky Dube y Eddy Grant.

En éste estilo se suele utilizar el D.J., pero aquí se refiere a cantantes que improvisan sobre discos de tracks instrumentales y estilos basados en una técnica de rimas melódicas, rítmicas y repetitivas, que puede adaptarse a casi cualquier base rítmica o melódica sin ensayo previo y que puede derivar lo mismo hacia una línea vocal melódica o hacia un verso de rap en cualquier momento.

~SKINHEAD REGGAE~

Con la independencia de Jamaica del Reino Unido, en 1962, muchos jamaiquinos deciden emigrar a Inglaterra llevando consigo su música (Ska y Rocksteady). ésta música tiene mucha aceptación dentro del movimiento Mod y, posteriormente, con la fusión de los Rudeboys y los boot-boys daría paso al movimiento Skinhead. Éste subgénero tiene teáticas de convulsión social, orgullo obrero y rechazo sobretodo al racismo y a la manipulación de los medios de comunicacación sobre el pueblo trabajador, ya que éstos tenían una idea completamente errónea sobre los Skinheads, diciendo que eran jóvenes borrachos, racistas y ultraviolentos, generando así rechazo hacia ellos. Y por el contrario, ellos eran jóvenes orgullosos de ser obreros, odiaban la burguesía y la autoridad.

~ROOTS (raíces)~

Se le llama así a una variedad de reggae sobre la cual se desarrollaron las distintas variaciones de estilos. Los temas más destacados son la pobreza, la resistencia a la opresión del gobierno y la mención de la ganja o marihuana. En algunos casos sus letras llegan a mencionar a Dios o a Jah. Se dice que la cumbre de éste subgénero se dió en 1970 con cantantes como Johnny Clarke, horace Andy y Lincoln Thompson.

~DANCEHALL~

Se desarrolló alrededor de 1979. Éste estilo consiste en la música realizada en un sound system con un DJ o selector cantando y rimando (a lo que se le llama Toastin) sobre música reggae pura y bailable. Tenía una inclinación por lo más descuidado, en un principio sus letras fueron consideradas crudas y descuidadas.

El dancehall debe su nombre al espacio en que la música popular jamaiquina fue consumida y producida por el DJ. Dancehall, que en inglés significa "sala de baile" se llama así porque las letras de las canciones eran demasiado rudas para poder emitirlas por la radio y se podía escuchar solo en las "salas de baile", hoy en día ya no es así. Por lo tanto el dancehall no es solo música, sino también un espacio, una institución o cultura en la que la música, el baile y vibraciones comunitarias confluyen.

El Dancehall se desarrolló en Jamaica como un resultado de factores variantes políticos y socio-económicos. El Reggae como un estilo de música fue fuertemente influenciado por las ideologías Rastafaris y fue también avivado por los movimientos socialistas contemporáneos en la isla. El Dancehall, vástago del reggae, fue festejado a fines de los años '70 e inicios de los '80, cuando se alcanzaron acuerdos con los movimientos socialistas y las toscas realidades económicas vinieron a soportarse en la isla. Durante este tiempo las ideologías neoliberales y materialistas fueron el factor dominante en la vida de muchos jamaiquinos, tales de esas realidades venían a la delantera en la nueva música.

*rAp*

Estilo musical iniciado en los barrios negros e hispanos neoyorquinos, el cual es una mezcla rítmica de versos y poesias y está vinculado desde principios de 1980 a los ambientes de la cultura hip hop, siendo uno de sus cuatro elementos. De este último estilo musical toma como ejemplo integrar diversas corrientes, como la break dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch.

El hip hop se distinguió por evolucionar a partir de las formas primarias de la música religiosa de la comunidad afro americanas de Estados Unidos, a través de la expresividad laica y popular que se unió con el funck. El rap, a diferencia del hip hop, se desarrolla sobre todo por dos vías: rompe sus lazos con el funk y la música disco de consumo acentúa su relación con el break dance al tiempo que radicaliza sus signos de identidad callejeros mediante formas autónomas y un lenguaje específico y combativo.

En sus primeras manifestaciones, y siguiendo la pautoa break, la musica rap surgió de las operaciones que en las salas de baile ejecutaba un disc jockey utilizando uno o varios temas, al objeto de conseguir de las interrupciones y mezclas resultantes una composición que sirviera como vehículo sonoro a la recitación del solista o, con mayor frecuencia, a un nutrido conjunto de intérpretes. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convertía en un elemento fundamental de los temas rap y mediante las ráfagas breves y reiterativas, salpicadas de arrastres rítmicos, enfatizando rimas que se nutren de jergas, efectos onomatopéyicos, bromas y consignas, se desencadenaba un juego de réplicas y contrarréplicas muy sugestivo, que a su vez se complementaba con provocativas escenificaciones.

Rasgos de la musica rap

Estos rasgos esenciales del rap (en especial todo lo que se refiere a sus letras) tienen su origen en las fórmulas publicitarias emitidas por radio y televisión donde dos o más personas conversaban coloquialmente sobre un producto, combinadas con las remezclas de música disco que los jóvenes negros, hispanos y chicanos empleaban para bailar y divertirse al aire libre en los ghettos. Por ello el rap tuvo en sus comienzos un alcance limitado, pues raras veces penetraba en el ámbito de las discotecas, copadas por temas comerciales también interpretados por negros (como Grace Jones, Chic y Tina Turner).

El tema 'Rapper´s delight', de Sugar Hill Gang, editado en 1979, fue una de las composiciones estrella de este estilo, que se inscribía en el ámbito ecléctico practicado por bandas fundacionales como Afrika Bambaata and The Soul Sonic o el más radical de Grandmaster Flash and the Furious Five. Pero es a partir de los años 90 cuando los álbumes de musica rap alcanzan una presencia regular en las listas de éxitos de la revista Billboard y el estilo se diversifica, atrayendo a sus filas de adeptos a músicos blancos.

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*RocK & rOll*

La musica rock agrupa el conjunto de corrientes musicales que surgieron a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Con el correr de los años se puede decir que ha perdido el carácter anglosajón que tuvo en sus orígenes para convertirse en un lenguaje universal, sometido a un continuo cambio.

Ésta música es en realidad el resultado de la adaptación de diversos géneros. Generó en un principio mucho rechazo ya que, como dijo Mudy Waters (compositor de blues): “un hijo del rythm and blues al que llamaron rock”, por lo que esto llevó a que muchas organizaciones racistas estadounidenses dijeran que él Rock (llamado vulgarmente) “rebajaba al hombre blanco a la categoría de negro”. La variante, en cualquier caso, de acuerdo con estas interpretaciones, radicaría en el hecho de que la base del rock & roll, el viejo blues, estaba revisada, para mayor gloria de la raza blanca, a través de inyecciones de ritmo tan pronto dulce, como de andanadas de sonido estridente, rápido y energético.

Durante mucho tiempo este nuevo estilo de música fue llamado como una síntesis ligera de blues y R&B, y hallaría su ídolo fundacional a mediados de la década de 1950 en la figura de Elvis Presley, aún cuando desde la primera grabación de blues registrada en la historia ( “Crazy Blues”, un tema cantado en 1920 por Mammie Smith ) hubieran pasado casi tres decenios.

La progresión de acordes es originaria del blues, es decir: Fundamental - Subdominante - Fundamental - Dominante - Subdominante - Fundamental; pero el tempo es elevadisímo, además incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros.

La improvisación también juega un papel dentro del género, utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones, lo que pasará a ser conocido posteriormente como "Escala de Blues"

Elvis, el elegido por la musica rock & roll

Elvis Presley nació en Tupelo, Mississippi, en enero de 1935 sin saber que la fortuna lo esperaba. De una familia humilde del sur de Estados Unidos que se estableció en Memphis en 1948, Elvis ya grababa sus primeros temas de Arthur Crudup y Bill Monroe, oscilando entre el blues, country rural y el gospel.

En aquella época el country se encontraba en decadencia ( el año nuevo de 1953 fallecía Hank Williams ), siendo el propósito de algunas compañías discográficas el de descubrir a cantantes que expresaran “sentimientos blancos” con fuerza, voces y corazones negros, y Elvis resultó el artista elegido en una época en que solistas como Jerry Lee Lejía, Carl Pekins, Jhonny Cash, Roy Orbison y Chuck Berry, gozaban de relativo crédito. Salvo Berry, apoyado por Muddy Waters y una discográfica independiente de Chicago, los demás coincidirían en sus primeros trabajos al grabar en 1955 con el sello Sun Records, y de ahí nació la primera leyenda de los cinco pioneros o, en cualquier caso —en palabras de Jesús Ordovás—, de "los cinco grandes creadores del rock & roll". Pero Elvis, gracias a su participación en diversos espectáculos masivos de la ciudad de Nashville-Davidson a principios de 1956, de clara significación country, pudo renunciar a su condición de héroe local que goza del interés de una audiencia reducida pero fiel, y con habilidad, apoyándose en su tema “Heartbreak Hotel”, atípico en el contexto donde lo presenta, deslumbra, hipnotiza a masas de quinceañeras y se alza con un triunfo que le catapulta en cuestión de pocos días al primer puesto de la lista de éxitos de Estados Unidos.

Con “ Heartbreak Hotel ” estalla el fenómeno de los teenagers ( seguidores jóvenes de edades comprendidas entre los 13 y los 19 años, adolescentes en general ), que dará el espaldarazo al joven y tímido cantante procedente de los más bajos estratos sociales, reconvertido en escasas semanas en ídolo de multitudes de jóvenes que ven personificado en él, hábil vocalista, diletante, bromista de gesticulación agresiva y dado a las audacias sensuales en directo, al rebelde blanco que alcanza el irrenunciable sueño americano: triunfar. En 1955 había fallecido en accidente automovilístico James Dean, encarnación mítica y cinematográfica de la juventud rebelde y sin causa. Elvis Presley transmitía inconformismo, ansia de rebelión y juventud, teniendo una causa: el rock & roll.

*pOp*

La musica pop es un estilo que ha logrado dominar las listas de ventas desde su nacimiento, a principios de la década de 1960, y que ha recibido etiquetas de toda clase, dada su extrema facilidad para adoptar variadas influencias ajenas. Los temas pop se basan en la repetición de melodías en torno a una construcción clásica de estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, puente y estribillo.

Siendo sus orígenes en el siglo XIX, no fue hasta el siglo XX, con la creación de la industria discográfica, cuando se convirtió como tantos otros géneros, en una realidad de consumo para la audiencia mundial, logrando desarrollar todo su potencial.

Fue influenciado en sus comienzos por el rock y el doo-wop, pero la musica pop se ha basado siempre en la composición y la producción, y no en la actitud o el sentimiento propios del rock 6 roll y del blues, dando lugar a la llamada “cultura single” (o sencillo); grabaciones de un único tema que se alternan en las listas de éxitos. Durante la década de 1960 estuvo representado por The Beatles, The Beach Boys, The Everly Brothers o el productor Phil Spector.

Tras absorber la psicodelia de finales de esa década, compositores como Burt Bacharach, The Carpenters, Gilbert O'Sullivan o el dúo Simon and Garfunkel otorgaron al pop cierta profundidad y madurez, acercándose así a un público más adulto.

A pesar de ello, en la década de 1980 los creadores de Pop volvieron a centrarse en el público adolescente, persiguiendo el éxito continuo con producciones en cierto grado artificiales, que ocupaban las listas de ventas durante el tiempo justo para ser sustituidas por otras nuevas. El trío de productores ingleses Stock, Aitken y Waterman fue el máximo valedor de esta corriente, apadrinando a artistas como Rick Astley, Jason Donovan o Kylie Minogue. En la siguiente década abundarían también los grupos de cantantes y bailarines, como New Kids on The Block o Take That. Al mismo tiempo, el pop fue durante esos años el vehículo para la creación de estrellas mediáticas como Madonna o Michael Jackson (quienes son conocidos como los Reyes del Pop), en consonancia con el espíritu frívolo que caracterizó a la sociedad occidental durante esos años.

Sólo los que supieron reinventarse consiguieron mantener cierta relevancia en el show business durante los lustros siguientes. Con la aparición a principios de la década de 1990 del grunge y la música electrónica y pop, el género pop propiamente dicho adquirió la condición de reliquia, aunque (maquillado bajo producciones heterogéneas) sigue siendo el punto de partida de muchos compositores actuales.

A finales de 1998 nace una nueva estrella del pop, quién pronto sería reconocida como la Princesa del Pop: Britney Spears. Quién a pesar de todos los obstáculos, siempre ha demostrado que nadie le quita su trono.

Cualidades que definen a la Música Clásica

Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

Para lograr esto, la melodía toma una enorme importancia y se convierte en el elemento básico de esta música. La melodía es el alma de la música clásica. Para poder llegar a estas melodías se va a recurrir a la música popular y folklórica. Están constituidas de tal forma que logran reflejar la perfección, con frases de ocho compases (ivididas en dos períodos de cuatro y cuatro), de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres). De esta forma se crean unas melodías enormemente regulares.

Se pierde el ritmo mecánico y cuadrado del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se trata de encontrar tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, los cuales son únicamente utilizados cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión, mostrando a la música clásica como algo alegre, brillante y claro.

El clasicismos logra expresarse sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.

La música clásica tiene como ideal crear algo puramente bello, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, por ello que no intenta servir, representar o imitar. Intenta ser un arte que se sostenga por si mismo, sin propósitos concretos. La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, simbolizando al hombre como ser armónico y sin problemas.

Con la ayuda de la Revolución francesa, el Clasicismo va a conseguir extender la música clásica a la mayor cantidad posible de público, que desde este momento va a comenzar a valorarla en toda Europa.

Música Clásica

La musica clasica corresponde únicamente a la musica culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. El término “musica clasica” se ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente. En general se le llama “clasica”, pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal musica, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel periodo en el que se destacaron Haydn, Mozart y Beethoven.

Puede ser llamada también musica “culta”; pero en el concepto moderno, toda musica es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o una raza.

De todas formas, lo que define a este estilo musical es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Es realizada por pocos, con la idea de que le guste a muchos, pero estos no suelen ser tantos en general. Sus autores y ejecutores han estudiado una larga carrera en escuelas especiales, conservatorios, y sus oyentes, en general han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que luego puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Algo que si es definitivo es que ha podido trascender las fronteras del tiempo y el espacio; es universal. El mensaje que transmite la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Es su característica mas notable: no es estática, esta en contínuo recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión, cosa que no ocurre en la música de otras culturas.

A pesar de los limitantes de no ser folklórica ni popular, la musica clasica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una limitante temporal, refiriéndonos con el término “musica clasica” a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa posrenacentista.

Sus orígenes radican en las musicas medievales y renacentistas, quedando estas excluidas de la clasificación “clasica”. También se excluyen la oriental y la africana, sin desconocer sus valores y aportes. La música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en los europeos y sus herederos espirituales.

Normalmente en música se entiende por clasicismo, el breve periodo que va desde 1770 a 1810. El clasicismo es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza mas absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Es por esto que se tiende a acentuar la forma de las cosas y no la ideología o el contenido. De esta manera se logra reflejar perfección. El clasicismo nos da un hombre como ser armónico y a la humanidad es reflejada como una sociedad perfecta y sin problemas. Esto conlleva a una contradicción que surge durante la revolución francesa, un periodo de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el ideal de lo bello. Lo único que tiende a expresar.

El JazZ y su Historia

Pequeñas bandas de marcha y pianistas solistas enmarcan la mayor parte de las interpretaciones primitivas de jazz. Aparte del ragtime y las marchas, el repertorio incluía himnos, espirituales y blues. Las bandas tocaban esta música, modificándola mediante síncopas y aceleraciones, en las fiestas campestres, bodas, desfiles y funerales.

Era típico de las bandas de jazz que tocasen endechas de camino a los funerales, y marchas alegres al volver. Si bien el blues y el ragtime surgieron con independencia del jazz y continuaron coexistiendo con él, influyeron en su estilo y sus formas, y sirvieron de vehículo importante para la improvisación jazzística.

Con el comienzo del siglo XX surgió el primer estilo de jazz documentado, cuyo centro radicaba en la ciudad de Nueva Orleáns, en el estado de Luisiana, EEUU. En él la corneta o la trompeta llevaba el peso de la melodía, el clarinete tocaba floridas contramelodías y el trombón interpretaba sonidos rítmicos mientras hacía sonar las notas fundamentales de los acordes o una armonía simple. Detrás de este trío básico, la tuba o el contrabajo interpretaban la línea del bajo, y la batería el acompañamiento rítmico. La exuberancia y el volumen eran más importantes que la delicadeza: la improvisación se centraba en el sonido del conjunto.

Un músico de nombre Buddy Bolden parece haber sido el artífice de las primeras bandas de jazz, pero su música y su sonido se han perdido. Si bien se pueden percibir ciertas influencias del jazz en las pocas grabaciones primitivas en discos, la primera grabación de una banda de jazz hubo de esperar hasta 1917. Esta banda, un grupo de músicos blancos de Nueva Orleans, que se llamaba The Original Dixieland Jazz Band, tuvo un enorme éxito tanto en Estados Unidos como a nivel internacional (el término dixieland sería utilizado para definir más tarde al estilo Nueva Orleans interpretado por músicos blancos ). Después aparecerían dos destacados grupos, uno blanco y otro negro: en 1922 los New Orleans Rhythm Kings y en 1923 la Creole Jazz Band, esta última liderada por el cornetista King Oliver. La serie de grabaciones realizadas por el grupo de Oliver son los registros más significativos del estilo de Nueva Orleans. Otros destacados músicos de esta ciudad fueron los trompetistas Bunk Johnson y Freddie Keppard, el saxofonista soprano Sidney Bechet, el percusionista Warren Baby Dodds, y el pianista y compositor Jelly Roll Morton. Sin embargo, el músico más influyente del estilo de Nueva Orleans fue el segundo trompeta de King Oliver, Louis Armstrong.

The Original Dixieland Jazz Band (Buddy Bolden)

El primer auténtico virtuoso de jazz, Armstrong fue un sorprendente improvisador, tanto en el plano técnico, como en el emocional e intelectual. Cambió el formato del jazz y puso al solista al frente de la orquesta. Los grupos con los que grabó, los Hot Five y los Hot Seven, demostraron que la improvisación podía ser mucho más que una simple ornamentación de la melodía; para ello creó nuevas variaciones basándose en los acordes de la melodía inicial. También creó escuela para todos los cantantes de jazz posteriores, no sólo en la manera de alterar las palabras y la melodía de las canciones, sino también al improvisar sin palabras, usando la voz como un instrumento (técnica denominada scat singing).